2018年、アートの街ブルックリンと六本木で個展を開催した中瀬萌が、2019年アートフェア東京に出展。
初めてのアートフェアに臨んだ彼女に話を伺った。
今回の展示作品『胎動』に込めた中瀬さんの気持ちを聞かせてください。
『胎動』というタイトルは母親のお腹の中にいる子どもが動き出す、そういった内部からの動きという意味合いで付けました。
自分の感情の一部でもあるけれど、生命が生まれることに対しての明暗みたいなものがあります。昨年から、社会的なことでいうと虐待の事件だったり、SNSだったり、日本の中での生きづらさみたいなものがすごくピックアップされていて、国外から日本ってどうなってるの？ 大丈夫？ みたいな心配もされていると思うんです。それに対して、社会に対する芸術へのアクションの一つ前に、生きている中で自分が持っている生命がどういう風に動いているんだろう、まずは自分が人としてどう生きているんだろう、ということを考えました。
どんな風にこの作品と向き合って製作しましたか？
ストーリー的には前回の作品の続きのような感じで制作していたんですけど、自分の中で何かを作り加えると言うよりは削ぎ落としていく部分がすごく多かったです。
新しく付け加えることによって自分の迷いみたいなものが出てきてしまって、単純に色を一色加える事によって悪い意味でいえば雑念みたいなものが入って来てしまったので、それをどう削ぎ落としていくかと言う事に挑戦していった。どんどんミニマムな作品になっていくにつれて、自分の感情がストレートな感情として成り立っていくことに気が付きました。
作品を作り始めた段階と作り終わった段階で何か変化はありましたか？
前回よりも深部に迫るような作品が出来たと思います。今回の作品は色として明暗が分かれているんですけど、明るい部分は肉体に迫っているような、肌を削り落とした時に出る血のようなものが出ているかな、と。肉体に迫って行く中で、肉体と生命がどう繋がっているか、生きている実感がある中で痛いと感じること、そういったすごくソリットな部分を問う作品ではあります。けれど、その中には様々な時間軸でのレイヤーがあって、辿っていくといろんな想いが詰まっている。それは計算してできるものというより偶発的に出来るものであって、それが作品から起こるアクションでもあります。
私の作品は主に蝋を使っているので、熱を加えれば後からどうにでも変化させられるのですが、あえてそこで自分が止めた、そこで出来上がったって思うのは、最終的には作品が出来上がらせてくれた感覚を覚えます。自分の思いを汲み取ってくれるのが作品ですね。
蜜蝋が出すスモーキーな質感が特徴的ですが、蜜蝋を使い始めたきっかけは何ですか？
蝋を初めて4年目になるのかな。溶けて消えるもの、消失してしまうものへの憧れがすごくあって、蝋は元々は個体だけど熱を加えることで熔けて液体化して、それがさらに蒸発して消えてしまうっていう三段階の変化が、人間の生きる過程と似ているような感じがします。なかでも蜜蝋は体にも害がない肌に近いマテリアルで、自分に合っていたと思います。
初めてアートフェアに出展したお気持ちを聞かせてください。
すごく嬉しいけれど、正直言うと複雑な気持ちもあります。
自分が持っているアートフェアへの印象は「消費」みたいな感じがあるんです。作品を売る、買うということでアートの世界は成り立っているし、もちろん私も買って頂けることで生活が出来て次の材料を得る事が出来るんですけど。そこで自分の「売りたい」っていう意識が向き過ぎると、作品が単純に商品化してしまうので複雑なところでした。やっぱり人間は視覚的に美しいものを魅力的だと思うから、売ろうと思ってしまうと自分のデコラティブな部分が出てくるので、それをどう止めるか葛藤しました。マネージング的な部分が勝つとそれは芸術ではないので、自分の意志は固く持っておこう決めていました。
アートフェアということで、中瀬さんにとってアートとは？
自分を生きさせてくれているもの。
今まで生きてきた中で今が一番心地良くて、生き易いというか、自分に嘘や偽りなく生きてるなと思います。アウトプットというよりは作品からインプットされている部分がすごくあります。自分の思うことや伝えたい感情を言葉として発するよりも前に、絵として向こうから発信してくれるメッセージが多いです。損得が働くから、脳で考えることには結構嘘が多いなと思っていて。でも肉体的に手で動かして作った作品には、素直な感情で損得なく自分の感情を入れ込める。そこからこんな感情持っていたんだな、ここに意識が向いていたんだなという発見があるんです。
アートとは一言では言いがたいけれど、自分の存在意義の再確認の場所になっています。
◆中瀬萌
1993 年、神奈川県生まれ。2015 年からモデル活動を始め、その傍らで彫刻家である父に影響を受け、モデル以外での自己表現は何だろうかと思い始め、アーティストとしても活動を始める。極小の「点」から織り成す、独特の点描画を、透明感のあるトレーシングペーパーに描き出す作品から、ブルックリンの展示を経て、蜜蝋を使った、鮮やかで色彩の流れを描いたようなエンカウスティックの作品を展開している。
2017年、NY BROOKLYN BEAUTY/FAHSION LABOにて出展、12 月のJ-COLLABO ANNUAL EXHIBITIONにて大賞を受賞。
2018年、ニューヨーク・ブルックリンにて個展「Water」、六本木CLEAR GALLERY TOKYOにて個展「Beyond」を開催。
Moe Nakase, holding solo exhibitions in Brooklyn and Roppongi last year, exhibits at Art Fair Tokyo 2019.
Wooly asked her how she felt to join the art fair for the first time.
Would you tell me your message in this exhibition “signal (fetal movement)”?
The title indicates internal movement, like movement of a foetus in mum’s tummy.
This is a part of my feelings, but there’s a fate of being born into this world. Since last year, I think the difficulties to live in Japan, such as child abuse or an argument of SNS, are highly picked up, and these situations have been worried by people in abroad. Thinking about that, before taking an art action against society, I considered how my existence is moving around in my life or how I live as a human.
What was your attitude when creating the works?
The creation process as a contextas has been a continuous from the former works, but I had to scrape off extra things rather than add something.
When I added something it led me into delusions, for example, when I added one colour I started to have idle thoughts, so I had to figure out how I could take them away. As the works got more and more minimum, I realised I could feel in a certain way.
Is there any change from the start of creation to the finish?
I think I could reach the deeper point than before. There is an obvious difference in dark and bright colours, but especially in the brighter works, there is something like blood coming out from the fresh body under the skin. Reaching to the body, my works are questioning how the body and the soul are connected, or how you feel pain when you are surely alive. There are layers depending on various time lines, though, and different feelings I had. This is not what I meant to, but what it happened to be, and this is the action that the works took.
Because I mainly use wax to draw, I can heat them again to change if I want to. But when I stop and finish the works, I have a feeling that my works make me finish them. For me, the works understand me well.
The smoky touch created by beeswax is very unique, but why did you start to use it?
It’s been 4 years since I started to try wax. I’ve had a longing for something to melt and vanish, and that’s what wax is, it’s originally a solid but turned into liquid and gas by heating it. These three stages in a process is similar to a process of human life. Beeswax is very natural and harmless, and I think it’s the best material that I can think of.
How do you feel to exhibit at the art fair for the first time?
It’s such an honour, but I feel a bit confused to be honest.
I have an impression about an art fair that is “consuming”. Of course the art stands on purchase and sale of works and I can live on and buy new materials for the next if someone buy my art. But if I have an intention to “sell” stronger, my works would be just products and this is difficult. I guess people are easily attracted to something beautiful visually, so I had to struggle to stop my decorative aspect. It won’t be art if the management side comes forward, I decided to be very determined about it.
Finally, what is art for you.
That help me alive.
I now feel more comfortable and honest to me than ever before. I input something from the works, not output to the works. I receive a message from them before I put my feeling or thoughts into words. Thinking with my brain can consist fabrications because I calculate the loss and gain without knowing. But in the works I draw with my body, there’s my genuine emotion. I find my own emotion or intention in the works.
I can’t describe the art in one word, but it helps me to reconfirm the importance of my existence.
◆Moe Nakase
Born in Kanagawa Prefecture in 1993.
While starting modeling in 2015, she began to work on as an artist influenced by her father known for a sculptor, thinking about what is her own expression besides the model. Going through from the works by unique pointillism, making many tiny dots on translucent tracing paper, to the exhibition in Brooklyn, she started the encaustic paintings, drawing the flow of vivid colors with beeswax.
In 2017, she exhibited at NY BROOKLYN BEAUTY/FAHSION LABO, and in December, received the grand prize of J-COLLABO ANNUAL EXHIBITION.
In 2018, she held a solo exhibition “Water” in Brooklyn and “Beyond” at Clear Gallery Tokyo, Roppongi.
Instagram: @moe0814n
